Создание музыкиТеория

Микширование джазовой музыки: 13 проверенных советов и техник

Смешивание
Теория

Микширование джазовой музыки: 13 проверенных советов и техник

Микширование джазовой музыки: 13 проверенных советов и техник Микширование джазовой музыки: 13 проверенных советов и техник

Микширование джазовой музыки представляет собой уникальную задачу, возвращая нас к истокам одного из самых прочных жанров в истории музыки. В отличие от многих современных стилей, которые постоянно эволюционируют с развитием технологий, джаз удивительным образом сохранил свое аутентичное звучание на протяжении последних десятилетий.

Истинный признак опытного инженера проявляется в его подходе к сведению джазовой записи, где свободно царит живое исполнение, а тонкая динамика должна быть сохранена, а не изобретена заново. Если вы привыкли микшировать поп-, рок-, хип-хоп- или электронную музыку, вам может быть сложно отойти от того, что вы сейчас понимаете как микс-инженер.

Микширование джаза требует более тонкого подхода — от улавливания спонтанного взаимодействия между инструментами до уважения к акустическому пространству, определяющему его звучание. Сегодня мы рассмотрим 13 проверенных советов и техник для микширования джаза и узнаем, как использование этих уникальных подходов может сделать вас лучшим звукорежиссером!

1. Сохраняйте естественность

Джазовая музыка давно и прочно укоренилась в клубах и на сцене speakeasy. И по сей день она несет в себе сущность естественных акустических пространств, где она впервые зазвучала.

Эта связь с окружающей средой не просто исторически сложилась, а является важным аспектом звучания и привлекательности жанра. Живые, спонтанные и интерактивные выступления, характерные для джаза, процветают именно в таких акустических условиях! Мы хотим услышать нюансы реверберации помещения и взаимодействия между музыкантами в группе, даже если технически она не идеальна.

В соответствии с традициями, большинство джазовых инструментов играют в чистом, неусиленном виде, будь то пианино, саксофон или бас. Перед инженером-микшером, работающим с джазом, стоит задача сохранить эту естественную аутентичность. Если вы руководите сессией записи, это также означает тщательное продумывание расположения микрофонов в помещении.

Если только артист не говорит вам, что нужно рискнуть и попробовать что-то экспериментальное, вашей главной целью должно быть воспроизведение ощущения присутствия в комнате вместе с музыкантами.

2. Полегче с компрессией

Эмоции в джазе заключены в динамике, поэтому мягкое использование компрессии — ключевой момент.

Динамический диапазон, присущий джазу, — от мягкого удара кистью по трещотке до полного взрыва мощной духовой секции — рассказывает свою историю. Напряжение и разрядка — это все, поэтому одна из самых больших ошибок микс-инженеров — чрезмерная компрессия.

Последнее, что вы хотите сделать, это лишить музыку ее жизненной силы и вырвать из нее прилив и отлив.

Используя компрессию в джазе, преследуйте четкую и ясную цель. Например, вы можете использовать компрессор на контрабасе с легким прикосновением, чтобы выровнять уровни между нотами пиццикато и смычковыми пассажами, чтобы и те, и другие хорошо смотрелись в миксе.

На фортепиано компрессия может применяться для мягкого смягчения пиков более агрессивных стаккато, сохраняя выразительные колебания громкости более мягких, лирических фрагментов.

3. Используйте насыщенность ленты

Некоторые из лучших джазовых записей были записаны на пленку, так что, знаете вы об этом или нет, звук и насыщенность, которые вы получаете от нее, — это то, что вы привыкли слышать.

Насыщенность ленты — один из моих любимых типов насыщенности, используемых в миксе, особенно когда вам нужны теплота, характер и связность. Даже при тонком использовании оно может быть весьма впечатляющим. Помимо гармоник, которые вы получаете от насыщения, вы также получаете легкую компрессию, которой часто не хватает цифровым записям.

При использовании насыщенности ленты на мастере используйте легкий подход. Цель состоит в том, чтобы придать всему миксу теплоту и полноту, не нарушая при этом его четкости и динамического диапазона. Кто-то может назвать это «клеем».

Среди моих любимых плагинов для насыщения ленты — Universal Audio Ampex ATR-102, который представляет собой тщательно смоделированное изображение классического магнитофона, и Waves J37, который был вдохновлен аппаратом, использовавшимся для записи многих величайших альбомов 1960-х годов.

4. Заранее найдите свободное место

Поиск пространства в черновом миксе на ранней стадии очень важен, особенно в джазовой музыке. Прежде чем доставать эквалайзер, рассмотрите панорамирование и уровни как основные инструменты для создания пространства и глубины. Идея заключается в том, чтобы каждый элемент вписывался в стереополе естественным образом, чтобы в дальнейшем вам не пришлось прибегать к помощи эквалайзера.

Панорамируйте и регулируйте уровни, чтобы каждый инструмент засиял в своем собственном пространстве. Например, вы можете панорамировать ритм-секцию немного смещенно от центра, чтобы отразить их физическое расположение в живой обстановке: контрабас немного левее, а фортепиано — правее. Барабаны можно панорамировать в соответствии с перспективой слушателя, расположив хай-хэт немного сбоку, а томы — по всему стереополю, чтобы получить более реалистичное представление.

5. Пусть барабаны решают

Один из моих руководящих принципов при микшировании джаза — «пусть решают барабаны». На мой взгляд, звуковые характеристики и динамика барабанов задают тон всему остальному миксу.

Давайте рассмотрим два резко контрастирующих подхода к микшированию ударных в джазе.

В одном из сценариев барабаны могут иметь мягкий, матовый snare и сдержанный, мягкий kick drum, чтобы дополнить классическую, непринужденную, дымную лаунж-вибрацию. При такой установке бас, фортепиано и рожки должны быть смикшированы таким образом, чтобы отражать эту тонкость.

С другой стороны, в миксе, ориентированном на высокоэнергичный бибоп-трек, может быть использован трещотка с резким, выраженным треском и ударный барабан, плотный и заметный. Такой звук барабана потребует более агрессивного и динамичного подхода к микшированию остальных инструментов.

Возьмем, к примеру, нюансированное звучание барабанов Пола Мотиана на «Sunday at the Village Vanguard» Билла Эванса, где его работа кистью не только задает созерцательное настроение, но и диктует микс, в котором каждый инструмент дышит и взаимодействует. На другой стороне спектра — взрывная энергия Арта Блэйки на «Moanin», демонстрирующая, как мощные, расположенные в центре барабаны могут заставить остальных музыкантов прибавить обороты.

6. Приготовьтесь к странностям микширования живой группы

Одна из самых уникальных задач микширования джаза — умение микшировать живую группу, что отличается от того, что обычно применяется при микшировании поп-музыки.

Многие джазовые записи передают магию живых выступлений. Вы помещаете группу джазовых музыкантов в комнату, окружаете их созвездием микрофонов и нажимаете кнопку «запись». Хотя это, возможно, и лучший способ передать спонтанное взаимодействие и энергию живого выступления, он также создает сложности, такие как отвод и фазовые проблемы.

Блед — это звук одного инструмента, улавливаемый микрофоном другого инструмента. Однако в джазовой музыке вместо того, чтобы рассматривать блеяние как проблему, вы можете принять его как возможность добавить глубину и реалистичность в ваш микс.

Комнатные микрофоны, например, неоценимы в этом контексте. Инженер звукозаписи использует их для захвата коллективного звучания ансамбля в одной комнате, что придает миксу ощущение единства, которое трудно воспроизвести с помощью изолированных дорожек. Главное здесь — следить за фазой между этими микрофонами.

Прислушайтесь к фазовым соотношениям между микрофонами, особенно расположенными близко друг к другу или захватывающими один и тот же источник. Инвертирование фазы микрофона часто позволяет устранить фазовую недостаточность и улучшить тонкий звук. Вы также можете использовать стратегические приемы стробирования и автоматизации громкости, чтобы свести к минимуму влияние затухания в критические моменты.

7. Параллельный процесс

Параллельная обработка — одна из моих любимых техник вообще, а при микшировании джаза она играет ключевую роль.

Подавая эффекты, такие как компрессия, реверберация или задержка, на параллельные каналы, вы можете смешивать обработанный сигнал с исходными, необработанными дорожками и усиливать определенные звуковые аспекты, не подавляя общее естественное звучание микса.

В джазовом миксе я часто использую параллельную компрессию на барабанах, отправляя дорожки ударных на шину с сильной компрессией, а затем смешивая их с оригинальными необработанными барабанами. В итоге вы получаете гораздо более пробивной и цельный звук ударных, который при этом сохраняет тонкость и динамику, необходимые для джаза.

Параллельная реверберация отлично подходит для тех же целей. Например, я могу направить трек саксофона или трубы на шину, выделенную для реверберации, чтобы создать ощущение окружающего пространства, не заставляя его звучать отдаленно или размыто. Конечно, если музыкант не просит об этом, лучше не использовать пространственные эффекты, такие как реверберация и задержка.

8. Воспользуйтесь преимуществами автоматизации объемов

Автоматизация громкости преобладает над компрессией при микшировании джазовой музыки. Вместо того чтобы слышать несколько пиков и тянуться к компрессору, чтобы их контролировать, вы можете использовать автоматизацию громкости, чтобы снизить их для более точного и естественного контроля.

Компрессия, даже при относительно легком применении, может вытеснить жизнь из спонтанного сольного момента. С другой стороны, автоматизация громкости позволяет усиливать или ослаблять определенные части выступления, давая вам возможность контролировать каждый нюанс, чтобы он был слышен именно так, как задумано.

9. Будьте тонкими в использовании эффектов

То, как вы используете эффекты в своем джазовом альбоме, может повлиять на то, насколько «вневременным» будет его звучание.

Некоторые записи, например, из эпохи джаз-фьюжн 70-х годов с их характерными басами с фазерами или рок-записи 80-х годов, характеризующиеся активным использованием ревербераторов, могут звучать явно устаревшими из-за преобладания эффектов своего времени.

Конечно, продюсеры и инженеры, вероятно, думали, что в то время они были новаторами, и хотя это так, это также привязывает эти записи к определенному периоду, что может ограничить их привлекательность для будущих слушателей.

Ключ к тому, чтобы запись не казалась устаревшей, — это прежде всего служить интересам музыки. Пусть сама запись диктует, стоит ли использовать эффекты. Например, джазовая запись, которая стремится передать живое акустическое звучание альбома Blue Note 1960-х годов, выиграет от минимального количества эффектов.

С другой стороны, современные джазовые фьюжн-проекты, такие как Electric Masada или James Blood Ulmer, могут с удовольствием использовать эзотерические эффекты, такие как задержки и фазеры, чтобы выйти за рамки жанровых норм. Разница в том, что эти эффекты будут частью звучания, художественным заявлением, а не дешевой примочкой.

10. Найдите правильный ревербератор

Вместо того чтобы полагаться на тяжелые временные эффекты при сведении джаза, я часто рекомендую больше склоняться к настройкам эмбиентной или комнатной реверберации. Эти типы ревербераторов предназначены для имитации естественной акустики помещения, обеспечивая ощущение воздушности и размерности, что усиливает живое ощущение от записи, не умаляя музыкальности.

Цель — создать ощущение, что группа выступает в одном пространстве, даже если треки были записаны отдельно. Окружающие и комнатные ревербераторы могут тонко заполнить промежутки между инструментами, объединяя их в целостную звуковую сцену, которая отражает живое звучание джаз-клуба или концертного зала.

Выбирая ревербератор для джазового микса, обратите внимание на настройки, обеспечивающие реалистичное ощущение пространства с относительно коротким временем затухания.

11. Остерегайтесь войны за громкость

Уверен, что все мы уже достаточно наслушались о «войнах за громкость». Однако это не значит, что мы все еще не находимся в тренде все более агрессивных методов мастеринга, направленных на то, чтобы сделать музыку как можно громче.

Дело в том, что стремление к максимальной громкости не соответствует этике джаза. Джазовые миксы процветают за счет прилива и отлива интенсивности, тихие моменты столь же выразительны, как и громкие.

При подготовке джазового микса к мастерингу и последующему потоковому воспроизведению или трансляции необходимо уделять особое внимание сохранению динамической целостности. Слишком сильное нагнетание джазового микса в лимитере или кодеке может привести к появлению нежелательных искажений или артефактов. Тарелки часто страдают от такой агрессивной обработки.

Являясь одним из самых важных элементов джазовой музыки, тарелки вносят значительный вклад в ощущение и атмосферу трека. Однако при чрезмерном их ограничении вы получаете микс, который кажется ограниченным и искусственным. Вероятно, это одна из причин, почему мы не слышим много тяжелых тарелок в поп-музыке. Они не согласуются с тяжелым мастерингом.

Вместо того чтобы добиваться максимальной громкости, чтобы ваш микс выделялся на фоне других на платформах потокового вещания, лучше использовать динамический диапазон, а не заставлять алгоритмы потокового вещания снижать громкость вашего мастера.

12. Используйте аппаратные эквалайзеры

Эквалайзер может существенно повлиять на то, как будет звучать ваш конечный микс.

Более консервативные, классические аппаратные эквалайзеры или их эмуляции в плагинах могут добавить тот сладкий слой аналогового богатства и тонкости, который прекрасно работает в джазе. Они не так точны, но в этом и есть смысл. Мы хотим, чтобы наш выбор эквалайзера был музыкальным, а не хирургическим.

Pultec EQP-1A — один из моих абсолютных фаворитов для микширования джазовых записей. Он обладает уникальной способностью одновременно понижать и повышать одну и ту же частоту, что может добавить глубины и присутствия, например, пианино.

Эмуляция Neve 1073 также отлично подходит для подслащивания вокала, сохраняя при этом органичность звучания.

13. Ссылка на другие миксы

Референс — это бесценная практика для любого инженера-микшера, независимо от жанра, в котором вы работаете. К счастью, в джазе у нас есть десятилетия звуковых эталонов, которыми мы можем руководствоваться в процессе микширования.

Выберите профессионально смикшированный и отмастерингованный джазовый трек, имеющий сходство с вашим, и внимательно проанализируйте его, чтобы понять, как сбалансировать инструменты, управлять динамикой и применять эффекты таким образом, чтобы усилить эмоциональное воздействие и ясность музыки.

После многочасового микширования бывает трудно сохранить свежий взгляд на вещи. С помощью референса вы сможете в любой момент перепроверить свои решения и убедиться, что вы на правильном пути.

Окончательный результат

По сравнению с другими музыкальными жанрами, джазовая музыка может быть довольно сложной для микширования. Вы сталкиваетесь с трудностями микширования акустических инструментов в живой записи и невозможностью скрыть недостатки за такими эффектами, как компрессия и реверберация.

Вот почему так важно все сделать правильно в процессе записи. Любой великий джазовый микшер скажет вам, что легендарные джазовые записи появляются не благодаря процессу микширования, а благодаря игрокам, композиции и записи. Как только запись попадает в ваши руки, ваша единственная задача — улучшить впечатления от прослушивания.

Пусть эти советы вдохновят вас на то, чтобы микшировать с деликатностью и потоком, которых требует джаз, чтобы каждый трек, к которому вы прикоснетесь, качался, звучал и находил отклик у последующих поколений!

Кнопка "Вернуться к началу"